ARTENFERMO

Gillies Barbier

Como se verían nuestros superheroes en estos tiempos? el artista Gillies Barbier uso su creativdad para dibujar a los superheroes y mostrarnos como se verían a sus 80 años mas o menos, ahí vemos al hombre araña, hulk, la mujer maravilla el hombre elástico muy endebles y bien dicen que los años no pasan en vano.

Como veis, Barbier ha creado una serie de esculturas tan deprimentes como divertidas (según por donde lo mires) a la vez que tremendamente realistas de un grupo de superhéroes jubilados de DC en un centro de asistencia para la tercera edad.

Superman necesita un andador; Catwoman disfruta de una reparadora siesta; Hulk está lejos de ser increíble ahora que se limita a ver la televisión desde su silla de ruedas; las extremidades de Reed Richards cuelgan flácidas y el Capitan America se encuentra en coma en una camilla atendido por una decrépita Wonder Woman. Ouch.

Hugo Martínez

Hugo Martínez, escultor colombiano nació en 1923 en Medellín, (Antioquia). Considerado como el primer escultor geométrico abstracto de Colombia, fue uno de los impulsores del abstraccionismo en Colombia al lado de los maestros Edgar Negret y Ramírez Villamizar.

Hugo Martínez hizo sus primeros estudios en su ciudad natal Medellín, Antioquia, y a finales de la década de 1932 fue trasladado por sus padres a la Capital colombiana, donde inició sus estudios estéticos en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, que por entonces dirigía el maestro José Domingo Rodríguez.

En palabras del arquitecto y curador de arte Fernando Rodríguez Morales, al maestro Hugo Martínez el país le debe el reconocimiento de ser el primer escultor geométrico abstracto, con su obra "Forma Mística".

En el año de 1945 participó por primera vez en un concurso de envergadura, el VI Salón Anual de Artistas Colombianos con un "Busto". En el certamen del año siguiente presentó dos esculturas: "Serenidad" y "Esfuerzo".

En abril de 1947 presenta una "Cabeza de Cielo Walker" en el III Salón de Artistas Nacionales.

En diciembre de 1948 presenta algunas de sus obras recientes al lado de cinco pintores, Jaime López Correa, Gustavo Valcarcel, Lola Fernández Caballero, Miguel Arango y Jaime Valencia, en el "Salón de los 6" en el Museo Nacional. Casi un año después, en noviembre de 1949, participará en el Salón Nacional de Arte Moderno.

En 1951 contrajo matrimonio con la pintora Gisela Ballesteros. La pareja se radica en Bogotá e inicia el tallado de maderas en las cuales el volumen desempeña un papel preponderante, con fuerte influencia de los escultores Ernst Barlach y Henry Moore, para plasmar la protesta del artista ante la violencia que asolaba al país. Una de esas tallas, "La Huida", será presentada al lado de "Plegaria" en el IX Salón de Artistas Colombianos, inaugurado el 7 de agosto de 1952.

Estas dos esculturas y una “Cabeza” serán presentadas de nuevo en la Exposición Colectiva para conmemorar las Fiestas Patrias el 20 de julio de 1953.

El historiador Hermes Tovar Pinzón describe así esta obra: ""El espectáculo doloroso del éxodo lo resume en “La Huida” el escultor Hugo Martínez...representa la soledad de una madre con su hijo en brazos que marcha sostenida en los volúmenes de sus pisadas inciertas. Miles de familias iban y venían por los caminos del Tolima y de otras regiones de Colombia buscando un refugio."

1955 fue un año de intensa actividad artística en el país y el maestro Martínez no fue ajeno a ella: varios de sus trabajos fueron expuestos en la exposición colectiva que con el nombre de "Artes Plásticas en la Arquitectura", organizó la Sociedad Colombiana de Arquitectos. El 2 de septiembre del mismo año, su obra fue expuesta con la del escultor Eduardo Ramírez Villamizar en el "Salón de Pintura Contemporánea" y en diciembre de ese año participó en la Exposición de la II Feria Internacional de Bogotá.

Para el X Salón Nacional de Artistas de Colombia, de 1957, se hizo presente con dos esculturas y un paisaje al óleo. Por "Forma mística", escultura en yeso, le fue otorgada una medalla de oro, en tanto que su escultura en granito "Reposo" recibió los elogios de la crítica.

De ese año es "Ondina", escultura geométrica que representa a una diosa del agua recostada, en actitud meditativa, estrechamente vinculada con "Reposo". Esta escultura en granito blanco y verde (71 x 31 x 38 cm) fue adquirida por el Banco de la República (registro AP0004)

MAREA

He descubierto este blog en el que he encontrado artistas increíbles. se llama MAREA (Museo de Arte Erótico Americano).No tiene ánimo de lucro ,su objetivo es proteger, preservar, promocionar y estimular las expresiones del arte y del arte erótico.

Su sede es itinerante y expone e interviene donde lo inviten o acepten su propuesta artística.

El MaReA es un proceso artístico que realiza exposiciones e intervenciones en espacios con imágenes reconocibles de objetos artísticos y conceptos teóricos relacionados con el Espíritu Erótico.

Su pragmática alfabetizadora, pedagógica, académica, integradora y desembrutecedora es un gesto que alcanza la categoría de provocación artística ante una sociedad dogmática y excluyente caracterizada por la falta de afecto.

El MaReA se inmiscuye en una dinámica social que altera y deconstruye esquemas de comportamiento artísticos, sociales y culturales; genera debates académicos; es una propuesta que muestra las prácticas culturales, estéticas y eróticas de los autores, no como una aproximación a la realidad sino como una aproximación a la realidad de ellos mismos como artistas. La realidad es mi idea de realidad, decía Borges. Caigo en la idea como en un precipicio, decía E.M. Cioran.

El MaReA es una proyección fonética que representa una idea que da una nueva identidad a los museos. No es una idea absurda ni arbitraria. Es lógica. No hay nada por el estilo. Tergiversa el concepto de museos para darle nuevos significados.

El MaReA es un proceso artístico, un sistema comunicativo, un signo, en un contexto socio cultural caracterizado por la ignorancia y falta de sensibilidad hacia la expresión y la estética erótica; es un fenómeno histórico y social, posee su propio lenguaje para una sintaxis propia, y es portador de significaciones y valores informativos para construir su propia semántica; y ejerce influencias en un contexto social para dar ánimo a su pragmática.

Los happenings, intervenciones y exposiciones del MaReA son una experiencia artística que se identifica con la apropiación más directa y completa de la experiencia humana en el campo de la imagen del Espíritu Erótico con un poco de fabulación y locura.

Toda persona presente en un happening del MaReA participa en él con su espíritu erótico y con su voltaje de acuerdo a su concepción del mundo, del erotismo y del arte, con sus fortalezas y debilidades expresivas, conceptuales y formales.

Los happenings, intervenciones y exposiciones del Museo arte Erótico Americano MaReA son eventos culturales que son noticia por sí mismos. Se convierten en grandes eventos cuando museos, galerías, bibliotecas públicas, universidades, centros culturales y espacios alternativos ceden sus espacios para intervenirlos y dictar conferencias relacionadas con el arte, el erotismo, la sexualidad y la pornografía, como parte de su labor alfabetizadora, pedagógica y académica.

Las exposiciones del MaReA muestran obras de pintura, escultura, dibujo, gráfica y fotografía, realizadas con instrumentos tradicionales, y obras de fotografía digital, video, instalación y performancia. Obras producidas como objetos estéticos y procesos mentales.

Enlace: http://www.museoarteeroticoamericano.com/index.html

Escultura intersexual

En la especie humana existen pocos casos de hermafroditismo y los existentes son estériles. Sin embargo, en los yacimientos arqueológicos del todo el mundo, acompañando al difunto, se han hallado obras de arte simbólicas: esculturas humanas desnudas femeninas, que a la vez presentaban rasgos masculinos y se encuentran embarazadas. Es decir, son: figuras andróginas / bisexuales / hermafroditas, que objetivan la creencia mítica de que los dos sexos, causantes de la Fertilidad, están juntos.

La traducción de tales esculturas se hallan en los mitos de muchos panteones históricos, cuya mitología fue heredada de las culturas matriarcales habidas con anterioridad. Consideran, que la Diosa, tiene tal grado de Autonomía, que se Autoconcibe, se Procrea, se Engendra a sí misma y da a Luz la Creación y la Vida. La Diosa es anterior a todas las cosas, Creadora de todo, Eterna y no creada. La Diosa se defiende que nació cuando no existía nada.

Metafóricamente, las esculturas femeninas con rasgos hermafroditas, están diciendo implícitamente, que la Diosa incorpora los dos sexos, es el Origen que se Autofecunda. En el proceso de Fertilidad Ella interviene en exclusividad, sin necesidad del Principio masculino. Personifica tanto la Tierra como las constelaciones. Ella envía las aguas Fecundantes y es la Madre Tierra Fértil que saca de sí los frutos de forma Virginal.

Las esculturas desnudas hermafroditas acompañaban al muerto o guardaban la sepultura, evocando la función Divina con poder sobre la Vida y la Muerte. Se esperaba que con su presencia la Diosa haría germinar mágicamente a los difuntos y los transformarían en los gérmenes de sus descendientes / los transformarían en semillas a las que haría germinar igual que hacía germinar a las semillas.

También las esculturas hermafroditas eran usadas en rituales masturbatorios por las sacerdotisas en las "Orgías" sagradas, fiestas de Misterios en honor de Diosas en las que sólo intervenían mujeres. Serían usadas como falos con una intención mágica.

Regina José Galindo

Regina José Galindo protagoniza acciones duras, a menudo violentas, en las que somete su cuerpo a la abyección. Empleando un lenguaje singularmente poético, y cargado de fuertes connotaciones políticas y de denuncia, sus acciones suelen llamar la atención sobre la realidad social latinoamericana.

Desde que invitada por Harald Szeeman, participó en la 49. Bienal de Venecia, Regina Galindo ha presentado su trabajo en numerosas muestras internacionales. Galardonada con el León de Oro dos ediciones más tarde en la 51. Bienal de Venecia, la artista ha participado asimismo en las bienales de Praga y Tirana, y en importantes instituciones internacionales, como PS1 en Nueva York o le Plateau, Paris. Su obra se encuentra presente igualmente en importantes colecciones tanto publicas como privadas (como Museo Rivoli de Turín o Miami Art Museum y Cisneros Fontanals en Miami)

Cattelan

Nacido en Padova, Cattelan actualmente vive y trabaja en Nueva York. Para él, el arte está separado de la realidad, y dentro de sus fronteras existe la posibilidad de ir mas lejos. Maurizio, bufón del mundo del arte, lleva a cabo una tentativa radical para ridiculizar los principios sobre los que se basa la integración del artista en la sociedad. Ha elegido la privilegiada pero también ambigua posición de un célebre provocador para mostrar las costumbres hipócritas que facilitan el flujo estable y soporífero de ideas y dinero en el mundo artístico contemporáneo.

De él me interesa su manera cómica de presentarnos la realidad y el excelente trabajo que realiza con los acabados hiper-realista.

J.A.M. Montoya

J.A.M. Montoya es un artista cuya obra no deja indeferente a nadie. Algunos de sus trabajos han causado tanto impacto como estupefacción, como el momento en el que retrató a Cristo crucificado con una imperiosa erección. El artista Montoya asegura que no ha querido ofender a nadie con sus pinturas y fotomontajes de Jesús, la Virgen y otras imágenes católicas.
Ha mantenido actividades diversas dentro del ámbito fotográfico como creativo, investigador y docente. Ha impartido clases en diferentes centros y cursos académicos en la Universidad de Extremadura: “Interpretación fotográfica de la luz “, “Iluminación de interiores”, así como conferencias: “Sobre la creatividad”, “Motivación para la imagen y el estímulo visual”, “La razón de una obra”, “Ciencia, Arte y Religión”, “Cualidad de la forma”, “La identidad”, etc. Su labor docente también ha versado sobre fotografía aplicada a restauración de obras de arte y conservación de archivos fotográficos, dirigida a especialistas en arte y patrimonio. Su obra ha sido motivo de debate en congresos universitarios y tema de investigación en memorias de licenciatura y tesis doctorales.
Su aportación en un aspecto puramente técnico, radicó en la investigación y creación de dos nuevos procesos de fotomontaje o manipulación de la imagen: Proceso CUFY y Sistema de Altura, materializados en sus series fotográficas El Espacio Integrado (1985) y Gestáltica (1988).
En 1990 obtiene la Beca de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura de la Junta de Extremadura.

Enlace: http://www.jam-montoya.es/

Espiritualidad y carne

Blog creado a partir de un curso organizado por la universidad de Granada. El objetivo este proyecto es continuar ahondando en el conocimiento de la estructura interna del proceso artístico, centrándose en la percepción-representación del cuerpo y de la experiencia espiritual, como polaridad cosmogónica que centra el discurso artístico.

El taller “Espiritualidad y Carne. La Lógica de la Provocación” utiliza experiencias perfomativas como vehículo crítico para la catarsis y reflexión de los participantes. Se trata de cuestionar el conocimiento previamente adquirido en torno al tema e ir más allá de los códigos establecidos, iniciando así el ejercicio de una indagación personal inherente a la actividad artística.

La experiencia pedagógica se plantea como una pieza artística en si misma, una pieza abierta y colectiva, en permanente evolución, que se enriquece y configura mediante la participación de los estudiantes. La pieza es una provocación que invita a los participantes a dar su propia visión de las cuestiones planteadas, creando una cadena de respuestas artísticas.

Enlace: http://espiritualidadycarne.blogspot.com/

Bruce Nauman

Casualmente me he encontrado con este vídeo del inigualable Bruce Nauman llamado "Pinch Neck 1968" y me ha cautivado como saca tanto partido a una parte del cuerpo como la boca.

Nauman es un artista multimedia estadounidense, cuyas esculturas, vídeos, obra gráfica y performances han ayudado a diversificar y extender la escultura a partir de la década de 1960. Sus inquietantes obras de arte hacen hincapié en la naturaleza conceptual del arte y del proceso de creación.